« Interpréter, c’est jouer avec les images, comme on dit jouer avec les mots. Mais jouer avec les mots, comme dit Godard, c’est encore du langage. Jouer avec les images, c’est encore en créer afin peut-être d’aider à mieux les comprendre. »

Où en est la critique de cinéma ? Évaluer son statut en milieu universitaire fournit-il un élément de réponse ? Défendre la critique de création, est-ce encore un vœu pieu face à l’objectivité scientifique et journalistique ? Articulant sa réflexion autour de l’apport intellectuel de grandes figures de la critique de cinéma (Serge Daney, Jean Douchet, etc.) et d’art en général (Baudelaire, Diderot, etc.), David Vasse propose de faire le point sur le rôle que peut encore tenir la critique dans le monde des idées à l’époque des médias connectés, des réseaux sociaux et du prêt-à-penser consumériste.

Jacques Demy confesse s’être servi de son expérience américaine pour Peau d’âne ; Marguerite Duras s’embarque dans une conversation épique ; la monteuse Agnès Guillemot ou le compositeur Michel Legrand racontent leur collaboration avec Jean-Luc Godard ; Bulle Ogier confie sa terreur de la drogue quand Wenders s’accorde une séance de psychanalyse sauvage dans le sillage de Paris, Texas…

Ce recueil de 29 entretiens, menés par Noël Simsolo entre 1969 et 1985, donne la parole à des cinéastes français (Claude Chabrol, François Truffaut, Éric Rohmer,  Jacques Rivette…), allemands (Werner Herzog, R. W. Fassbinder), japonais (Nagisa ?shima, Yoshishige Yoshida), des comédiens, des collaborateurs artistiques. Toutes ces conversations témoignent d’une même passion : celle d’œuvrer pour le cinéma, qu’importent les conditions économiques, les mœurs, l’époque.

C’est sans doute la scène la plus célèbre de toute l’histoire du cinéma, la fameuse « scène de la douche » de Psychose ; son influence est telle que ne cessent de se multiplier les hommages, de Brian De Palma à Francis Ford Coppola, de Gus Van Sant à David Fincher, des séries Bates Motel aux œuvres d’artistes contemporains tels Douglas Gordon, Pierre Huyghe, Cindy Sherman.

Le phénomène est décortiqué, sous toutes ses coutures, par Sébastien Rongier dans Alma a adoré, où il met en lumière l’importance du film d’Alfred Hitchcock, en faisant appel aux réflexions de penseurs tels qu’Emmanuel Kant ou Roland Barthes, tout est en démontrant la primauté de ce véritable emblème de la Pop Culture, un pur « effet cinéma ». Par ailleurs, ce texte, traversant les prolongements littéraires et cinématographiques du film, développe une vision très personnelle de cette œuvre, l’auteur étant l’une des premières victimes de cet « Effet Psycho ».

George Franju a marqué l’histoire du cinéma français, et à plusieurs titres. Fondateur avec Henri Langlois de La Cinémathèque française, il fut aussi réalisateur de documentaires légendaires (Le Sang des bêtes, Hôtel des Invalides) et l’un des pionniers du cinéma d’épouvante en France (avec notamment Les yeux sans visage) dont Almodóvar signa un remake amoureux (La Piel que habito), ou le mythique Judex, en hommage à Feuillade. Si l’œuvre de ce cinéaste a déjà fait l’objet de plusieurs analyses, peu se sont intéressés à l’homme en lui-même. Qui connaît la relation privilégiée qu’entretenaient Franju et Fritz Lang ? Sait-on que Walt Disney lui vouait une admiration singulière ? Ou encore que Truffaut utilisa des extraits d’un de ses courts métrages pour Le Dernier Métro ?

Ainsi, le Dictionnaire Franju, écrit par le journaliste Frantz Vaillant, se propose de mêler archives radiophoniques et télévisuelles, entretiens inédits, anecdotes fascinantes, souvent savoureuses, ainsi que de nombreux documents de travail puisés dans les archives personnelles du réalisateur. Cet ouvrage, par le biais de 95 entrées, offre un panorama complet sur cette personnalité atypique du cinéma français.

Dans Boorman, un visionnaire en son temps, Michel Ciment complète son analyse du cinéma de John Boorman et enrichit la première édition, parue en 1987, de textes portant sur les huit longs métrages tournés par le cinéaste depuis La Forêt d’émeraude et d’autant d’entretiens. Michel Ciment retrace ainsi la totalité de la filmographie de John Boorman, depuis Sauve qui peut (1965) à Queen and Country (2014) et le parcours fructueux du réalisateur anglais s’avère être une aventure semée d’embûches. De films en films, le regard aiguisé du théoricien côtoie celui, audacieux, du cinéaste, dans des entretiens tous plus passionnants les uns que les autres. Boorman, un visionnaire en son temps est un guide critique sur l’envers du décor, à travers une filmographie dense et hétéroclite qui démontre parfaitement la cohérence de cette œuvre et du regard qu’il porte sur le monde. C’est aussi la clef indispensable pour découvrir ce qui lie l’épopée arthurienne d’Excalibur, l’histoire du gangster anarchiste irlandais Martin Cahill dans Le Général et l’expédition initiatique dans les Appalaches de Délivrance.